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lunes, 30 de mayo de 2011

CRÍTICA : VETUSTA MORLA - MAPAS


PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,0

Vetusta Morla es posiblemente el mayor exponente de lo que se empieza a conocer entre alguna prensa como maindiestream o indie mainstream nacional, artistas que siendo teóricamente indies alcanzan un éxito considerable de ventas y audiencias, algo que les granjea una numerosa legión de anti-fans que ven en estos artistas una clara muestra de lo que se ha dado en llamar "fakeindie". Para algunos seguidores de los madrileños, los que los conocieron en alguno de los fantásticos y numerosos conciertos que dieron durante los nueve años que tardaron en publicar su primer largo, esto los tiene alucinados. Porque no cumplen precisamente con ninguno de los reproches más comunes a estos grupos nacionales de nuevo éxito : no han cambiado el idioma al español para hacerse más accesibles , su estilo no se ha vuelto más accesible pues podemos considerar este nuevo álbum menos accesible que Un Día En El Mundo y no se han pasado a una compañía grande ya que se han vuelto a autoeditar y seguro que por ello han rechazado jugosísimas ofertas. Pero sin duda, esa legión de antifans es amplia aunque no tanto como los seguidores que se han ganado y es por esto que los críticos de nuestras revistas/paginas , esos que una vez más han publicado aceleradamente sus opiniones sobre Mapas unas pocas horas después de que el grupo lo colgó en streaming en su web, han decidido puntuarlo en su mayoría entre el seis y el seis y medio, dejando sus opiniones sobre este segundo álbum en un sí, pero no, intentando no ser muy sinceros, para por un lado no perder un montón de lectores y por otro no ser acusados de poco alternativos. Y alguno dirá que nosotros puntuamos poco más, pero la cosa cambia mucho si recordamos que la máxima nota que hemos dado desde que comenzamos ha sido un ocho y además no dudamos que este es un disco notable, justito pero notable y que el anterior era aún mejor, sin duda uno de los mejores discos nacionales del 2008. Y sin embrago siendo justos, sí que hay algo de cierto en algunos reproches que reciben Vetusta Morla, justamente los que tienen algún argumento musical, porque es compresible que tú puedas opinar que su estilo, ese que los emparenta con los grupos Británicos de pop épico-sensible post Ok Computer, que idolatraban a Radiohead y Jeff Buckley, abundaron en el final de los noventas y principios de la pasada década como Starsailor, Coldplay, Lowgold, Embrace ... nunca fue un estilo demasiado alternativo y que además ya esta demasiado visto, incluso en algún que otro grupo nacional, o que sus letras son demasiado rebuscadas llegando a cruzar la linea de la pedantería en más de una ocasión. Esos argumentos y no que quinceañeros abarroten sus conciertos, son los que sí se pueden aceptar en contra de Vetusta Morla.
Centrándonos pues en lo que importa, Mapas es un disco algo inferior a Un Día En El Mundo, lo es por una segunda parte llena de altibajos y principalmente porque le faltan algunos temas tan frescos e inmediatos como eran "Salvese Quien Pueda", "Copenhague", "Al Respirar" o "Sharabbey Road" que fueron los responsables máximos de su éxito comercial . De los que aquí deberían cumplir ese cometido, resultan fallidas "Maldita Dulzura" donde intentan acercarse a un pop mas latino y "Canción envuelta" que queda muy lejos de la preciosa balada épica que era "Año Nuevo" y quizás sea "Lo que te hace grande" la que más convenza a sus fans, mientras las más contundentes "En El Río" y la muy lograda "Mapas" se conviertan en las más coreadas en sus directos. Aún así, este disco es una continuación continuista de su debut, con una producción algo más cargada pero con un sonido similar y es en los temas donde más se acercan a los Radiohead menos experimentales, esos que sirven a sus fans para defenderlos de las acusaciones de mainstream, donde igualan o incluso superan su debut. Así la inicial "Los Días Raros" se convierte en el mejor tema del álbum y de largo uno de los mejores temas nacionales de lo que va de 2011, un punto por debajo de ella, pero muy destacadas, se sitúan las más guitarreras "Boca En La Tierra" y "Escudo Humano". Son los tres temas más destacados de un álbum que mantiene un nivel alto en su primera parte, donde a "Los Días Raros" y "Boca En La Tierra" se suman las nombradas "Lo Que Te Hace Grande" y "En El Río", más "Baldosas Amarillas" bonita balada algo afeada por una letra pretenciosa en exceso y "El Hombre Del Saco" muy rítmica y contagiosa. La segunda mitad, a pesar de incluir tres temas como "Escudo Humano", "Mapas" y "Cenas Ajenas", precioso medio tiempo que crece con las escuchas hasta colocarse solo un paso por detrás de las destacadas del álbum, pierde algo de fuelle al contar con los temas menos inspirados, "Maldita Dulzura", "Canción Envuelta" y la final "Mi suerte" un medio experimento que se convierte en un horrible final para el disco.
Repitiendo algo que ya comentabamos con grupos como The Vaccines o TPOBPAH, sabemos que será difícil que Vetusta Morla sea un grupo trasscendente, pero es altamente disfrutable por la gente gustó en su momento del pop emotivo de tintes épicos de "The Bends", "Love Is Here" o "Parachutes" ó para esa gente que empieza a descubrir la música alternativa y todavía no esta preparada para dar el salto definitivo.
Si eres de los que no te va su estilo por convencional y pretencioso, no hace falta que lo intentes de nuevo, pero espero que si te gustaron antes, ahora no te achantes, cualquiera puede soltar un "como te pueden gustar esos", incluso gente con cultura musical cero, pero no olvides que antes que los fans de Vetusta Morla lo vienen sufriendo los de artistas con carrera tan intachable como Love Of Lesbian o incluso ¡Nacho Vegas! tras su último trabajo. Es más recuerdo ahora, unos cuantos plumillas hace más o menos un año, atacando desde sus respectivos púlpitos a Arcade Fire con argumentos muy similares a los que se escuchen contra Vetusta Morla, así que tú a lo tuyo, disfruta el álbum y sus grandes conciertos, aunque estén llenos de groupies.

jueves, 26 de mayo de 2011

CRÍTICA : RUSSIAN RED - FUERTEVENTURA


PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,4

Las dos próximas críticas van sobre dos casos con similitudes dentro del panorama musical patrio, artistas desconocidos que desde una discográfica indie obtienen un tremendo éxito inesperado con su debut, el cual conlleva controversia a su alrededor. Una controversia que los lleva a arrastrar una buena legión de detractores furibundos que los ven como unos falsos indies, unos mainstream intrusos con poca calidad y mucho artificio. Este es el caso de Lourdes Hernandez y aún en mayor medida de Vetusta Morla, a los que dedicaremos nuestra próxima crítica, pero el éxito en los últimos tiempos de unos cuantos grupos de nuestro panorama indie hace que algo parecido venga sucediendo de un tiempo para acá y no solo con recién llegados como estos. Centrándonos ya en Russian Red, los principales reproches que recibe de estos detractores son la actitud e imagen de la propia Lourdes, la excesiva aparición tanto en televisión como en radios y conciertos con el éxito de I Love Your Glasses, la ruptura con su compañía para firmar por una multinacional y una música soporífera. Con todo esto rodeándola y con los numerosísimos fans cosechados con su primer largo, las expectativas para el siempre difícil segundo álbum podrían haber supuesto una presión insoportable para alguien tan joven y de apariencia tan frágil, pero no ha sido así.
En este segundo trabajo, Lourdes Hernandez lejos de dejarse llevar por el éxito, ha dado un paso adelante, se ha ido a grabar a Escocia con Tony Doogan de productor y con músicos de Belle & Sebastian y dota al disco de un nuevo sonido con un pop luminoso que a veces se acerca inevitablemente a los de Stuart Murdoch y siempre impregnado de un aire de pop clásico, todo sin abandonar los temas de folk pop intimista que bordaba en su primer álbum. Y justo así, partiendo de esos mimbres, se inicia de una manera sobresaliente este Fuerteventura, con dos temas de magnifico pop luminoso como "Everyday Everynight" y "The Sun The Threes" posiblemente la mejor del lote, un tema que figuraría en cualquier recopilatorio de éxitos de Belle & Sebastian, seguidos de dos temas más acorde a lo que esperábamos de ella como son el precioso single "I Hate You But I love You" más instrumentado pero con la esencia de su debut y "Braver Soldier" con un impresionante piano que la acerca a lo mejor de la gran Cat Power, sin duda la otra gran joya del disco. A partir de aquí el álbum decae un poco, porque hay algún altibajo pero aún así sigue estando a un notable nivel y da paso a una segunda parte más variada. "Fuerteventura" y "The Memory Is Cruel" continúan la alternancia, la primera con un alegre espíritu poppie, la segunda recordando a sus antiguos temas pero envuelta en una cuidada instrumentación. Después "Tarantino" se sirve de guitarras fronterizas y "My Love Is Gone" se adorna de un pop elegante con cierto toque electrónico, convirtiéndose ambas en dos agradables sorpresas, mientras que "January 14th" vuelve al pop luminoso aquí con sonidos surferos. El álbum tiene en su recta final los dos temas más parecidos a los de su primer trabajo, aunque ambos con un nivel inferior a los de aquel, "Nick Drake" y "A Hat". Cierra el disco la mayor sorpresa, "Mi Cancion 7" una canción rockera, demasiado corta y algo monótona pero con buenas guitarras y donde demuestra que puede desatarse y obtener resultados satisfactorios, ojalá su próximo esfuerzo pueda incluir algún tema más de este corte, permitiéndole seguir ampliando su sonido y sorprendernos de nuevo.
Es pues este Fuerteventura un disco muy notable, que quizás guste menos a los que gustan del folk pop intimista del anterior, pero que permite escuchas para momentos diferentes y que de momento acalla merecidamente todas esas críticas de las que hablabamos al principio. Por mi parte, casi ni me fijo en la imagen de ningún artista, ojalá sobrexpongan su música y no la que suelen sobreexponer los medios de este país y Sony Music le ha permitido grabar con unos excelentes profesionales que han ayudado a un cambio de sonido en ciertas partes del disco que hace que tenga poco de soporífero. Poco más que decir , hablando exclusivamente de música, dos estupendos discos es lo que queda.

viernes, 20 de mayo de 2011

CRÍTICA : THE VACCINES - WHAT DID YOU EXPECT FROM THE VACCINES


PUNTUACIÓN (sobre 10) - 6,8

Esta va a ser una crítica express, porque The Vaccines es un grupo express. Lo es su éxito, la adictividad de sus temas y me temo que lo será su desaparición de la prensa musical. Han entrado con buen pie, en más de un sitio habréis leído/oído eso de que su disco es lo que se esperaba del nuevo de los Strokes y no fue. Es curioso porque de todos los grupos que triunfaron con revivals diversos en la pasada década, los Strokes son de los que menos influyen en este álbum. Porque a pesar de que en casi todas las reseñas de este disco se nombre a un montón de grupos míticos de los setenta y ochenta, lo que realmente influye en The Vaccines son grupos como Editors e Interpol, con un punto a los Manic Street Preachers de "Motorcycle Emptiness" en sus canciones más pausadas ( "A Lack Of Understanding", "Post Break-Up Sex", "All In White" ...) y grupos como The Libertines o Maximo Park en sus temas más espídicos, donde también dejan clara su querencia por el Hooligan Rock ("Wreckin´ Bar", "If You Wanna", "Norgaard" ...). Queda claro entonces que The Vaccines son un refrito de refritos, y también que hay mucho periodista que no tiene verguenza en alabarlos sin reticencias, a pesar de haber acribillado estos años a muchos de los grupos en los que claramente se basan.
Nos queda entonces entender, hasta el punto posible, la excelente aceptación que esta teniendo el álbum entre crítica y público. Para empezar hay que destacar que aunque hay algún tema que baja bastante el nivel ("Westsuit" y "Family Friend" sobre todo), hay unos cuantos hits irresistibles en este largo, canciones que se pegan a tu cerebro desde el principio y que te hacen cantar como un loco, usando de micro lo primero que encuentras por casa. Destacaremos dos que firmarían sin dudar los grupos que antes citamos para incluirlas en sus mejores trabajos, "Post Break-Up Sex", grande desde el titulo, entre las más tranquilas y la adictiva "If You Wanna" entre las más arrolladoras. Y quizás la clave la den los propios The Vaccines en el adecuadísimo titulo del disco, que esperas de ellos es sin duda muy importante. Si esperas un álbum completo y profundo, que aporte algo nuevo y permanezca como obra importante con el paso del tiempo, has errado el grupo, sin embargo si lo que esperas es un álbum que te levante del asiento con unos cuantos temas redondos y que te haga recordar porque disfrutabas hace unos años con unos cuantos grupos que parece que han bajado el nivel definitivamente, estas en el sitio correcto, solo dale al play y disfruta.

miércoles, 11 de mayo de 2011

CRÍTICA : FLEET FOXES - HELPLESSNESS BLUES


PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,7

Cuando Fleet Foxes publicaron en el 2008 su debut homónimo, pocos podrían esperar la repercusión que alcanzaron tanto entre el público, como sobre todo entre la crítica musical. Es por aquello que este su nuevo trabajo ha levantado grandes expectativas, llegando al caso de alguna revista que publica su crítica del álbum semanas antes de su publicación , con una copia de dudosa calidad y solo para poder ser los primeros en, normalmente, poder poner alguna pega al nuevo material. Aunque en el caso de Helplessness Blues, la gran mayoría de la prensa ha puntuado el disco con grandes notas, tanto en la prensa mas moderna, como en revistas dedicadas al rock más clásico, llegando alguna de estas últimas a darle un sobresaliente absoluto. Y consiguen esto Fleet Foxes con el mismo estilo con el que lo lograron con su primer largo, partiendo de dos claras influencias que son Crosby, Stills & Nash (con algo también, aunque menos de cuando Young) y America ( hace gracia ver como en toda la prensa moderna no se hace referencia a ellos siendo a veces miméticos los sonidos y las voces dulces que gastan, algunos será por desconocimiento, que ya se sabe como esta el patio, otros por miedo a no parecer nada cools si los nombran) para a partir de ellos acercarse a un indie folk moderno, actualizando el sonido a través de una cuidada producción con una densa instrumentación (hay a quien en esto le recuerdan a los Beach Boys mas barrocos pero les pilla mas de refilón) y muchas piruetas rítmicas que engrandecen buena parte de sus temas y llenan sus discos de sorpresas.
Dado que esta claro que la originalidad no es el fuerte de Fleet Foxes, es evidente que es la calidad y precisión de sus canciones lo que los esta haciendo destacar. Y eso es algo que no cambia en este nuevo disco. Hay que aclarar que Helplessness Blues es un disco inferior a su debut y a su excelente Ep Sun Giant. Lo es principalmente por dos causas, una es que faltan en este nuevo trabajo singles tan evidentes como eran "White Winter Hymnal" o "Your protector" y otra es que el ritmo de álbum es algo lento y se va haciendo ligeramente monótono sobre todo en la segunda parte donde aparecen un par de temas mas desnudos de lo normal como son "Someone You´d Admire" y "Blue Spotted Tail". No encontramos un tema totalmente rápido hasta "Grown Ocean", que curiosamente despide el álbum, en una elección errónea pues a mitad del disco habría roto el ritmo haciendo desaparecer algo la sensación de monotonía. Todo esto convierte a Helplessness Blues en un disco de digestión lenta y seguro que ya estáis cansados de oír eso de que es un disco que necesita escuchas, pero aquí tenemos un caso evidente. Porque a pesar de no tener temas tan directos como su primer largo, si esta lleno de temas como los que al final más nos acabaron gustando entonces. Temas que se hacen grandes a través de la bella aparición de un instrumento inesperado como en "Bedouin Dress", con cambios de ritmo mágicos como en "Sim Sala Bim" y "Helplessness Blues" o con esas piruetas que hacen que cada canción pueda contener varias como en "The Plains/ Bitter Dancer" y en la mejor de todas la inigualable "The Shrine/ An Agurment" donde Robin Pecknold en un momento de la primera parte canta más furioso (recuerda a Roger Daltrey en "Behind Blue Eyes"), como queriendo soltar todo el estrés que dice le ha producido la grabación de este disco.
Es pues este álbum, a pesar del pequeño bajón, un trabajo que confirma a Fleet Foxes tras su deslumbrante debut, y puede que te parezca que ellos reciben muy pronto más aplausos que otros que antes lo merecieron tanto o más, pero lo cierto es que tras el patinazo que supuso la errónea apertura estilística del último de My Morning Jacket tras sus dos sobresalientes predecesores o los cambios de rumbo de Iron & Wine o Bright Eyes de este año, Helplessness Blues apuntala el buen momento del indie folk americana de los últimos años y ya solo falta que lo nuevo de Bon Iver cumpla las expectativas para que los aficionados a este estilo, sigan completamente felices.

martes, 3 de mayo de 2011

CRÍTICA : PANDA BEAR - TOMBOY


PUNTUACIÓN (sobre 10) - 7,6

Tras muchos meses de esperas y retrasos ya tenemos lo nuevo de Noah Lennox en solitario entre las manos, e incluso antes de tenerlo o cuando me preparaba para escucharlo, no podía dejar de pensar en que difícil lo tendría este Tomboy. Me explico, pocos como el bueno de Panda Bear han tenido que afrontar la publicación de un nuevo álbum tras un anterior disco en solitario sobresaliente, como era Person Pitch y un último trabajo de la banda madre como Merriweather Post Pavillion, elevado ya por muchos a la categoría de obra maestra. Las comparaciones son odiosas, pero esta claro que el nuevo trabajo de Panda Bear no se puede librar de ellas y con esos dos predecesores la comparación es muy pero que muy complicada.
Para empezar directos con la comparación, vamos con los aspectos negativos que salen de ella. Es este un disco inferior a los dos nombrados, no hay (sin meternos en cuestiones técnicas) una gran diferencia en el sonido del álbum, continua con la electrónica vanguardista llena de psicodelia, de maravillosos juegos vocales, con aires de folk experimental y con los Beach Boys muy presentes, pero hay un cambio que marca el álbum, el ritmo es más lento y el tono general más oscuro. Toda la efervescencia y explosividad que encontrábamos sobre todo en Merriweather Post Pavillion, esa que hacía que incluso los menos adeptos a la electrónica se movieran como locos al escucharlos, aquí se han rebajado bastante y eso no beneficia los nuevos temas, es más los mejores temas del álbum son los más luminosos y los que continúan con la influencia surfera de los Beach Boys. Además Tomboy contiene un par de temas fallidos, "Drone" es un tema pesado y sin chispa que se convierte en lo peor del álbum y "Scheherezade" no alcanza el nivel de belleza que pretende y acaba siendo una canción monótona.
En la parte positiva de la comparación, hay que empezar destacando que toda la imaginación desbordante, las maravillas técnicas y la experimentación sin limites con las que Noah Lennox a revolucionado el mundillo musical tanto en Animal Collective como con Panda Bear siguen presentes y maravillando aquí. Hay temas cono "Surfer´s Hymn" con su clarificador titulo y su ritmo hipnótico, "Last Night At The Jetty" adictiva de principio a fin y "Alsatian Dream" con sus maravillosos cambios de ritmo, las tres a la altura de los temas estrella de sus dos mejores trabajos. Y entre los temas menos luminosos, destacan "Tomboy" y "Afterburner", ambos con una electrónica más fría pero con una contundencia rítmica arrolladora. Los otros cuatro temas no destacan tanto, aunque mantienen un notable nivel, gracias a las voces en la inicial "You Can Count On Me", la base rítmica de "Slow Motion", la calidez que te transporta a tu playa favorita de "Friendship Bacelet", o la melancolía ensoñadora de "Benfica" dedicada al equipo de Futbol del que Noah se ha hecho hincha desde que vive en Lisboa.
Si bien es cierto que algún fan se podría sentir defraudado dadas las expectativas creadas, no debería durar mucho esa sensación, pues aunque sea un disco algo inferior a las referencias anteriores, es Tomboy un disco notable que se encuentra sin duda entre lo mejor de lo que llevamos de año y que tiene pinta de crecer con el paso del tiempo y que confirma a Noah Lennox/Panda Bear como el miembro más importante del colectivo animal y uno de los personajes mas destacados del indie actual.
Una última cosa para los que no son muy fans de la música electrónica, recomendarles que se olviden de prejuicios y se den una vuelta por el trabajo de este tío y sus colegas, hay discos que son tan buenos que dejan atrás los estilos.